S’il est un nom que vous devez retenir dans l’univers de l’animation française, c’est bien celui de Sylvain Chomet. Aux antipodes de Disney, cet auteur et dessinateur de B.D. également réalisateur fait partie de cette famille qui prend le temps d’installer son univers décalé, qui pense à juste titre que l’animation n’est pas forcément une succession endiablée de plans destinés à un public « play station » ; qui pense que la lenteur peut aller de pair avec les sensations, l’émotion et la poésie. Ce n’est pas un hasard si Les triplettes de Belleville a été produit par les producteurs de Kirikou et la sorcière.

Les triplettes de Belleville est un mélange étonnant (détonant pour ceux qui auront vu le film) d’un humour noir impitoyable et d’un regard terriblement humain, plein de tendresse et de compassion envers ses personnages. Un brin ringards et vieillots, ils parviennent à surpasser leur condition de losers condamnés à l’oubli, faisant rejaillir leurs propres talents, leurs ressources insoupçonnées pour ainsi vaincre les difficultés.  Il y a du Ghislain Lambert chez Champion, ce héros orphelin au nom si lourd à porter pour un cycliste de seconde zone. Champion, son chien Bruno, ou madame Souza, la grand-mère entraîneur, et bien sûr les fameuses triplettes de Belleville, des anciennes gloires du show-biz extravagantes, sont de merveilleux personnages qui suscitent souvent l’empathie.

Pourtant, l’état psychologique des personnages principaux n’est pas des plus gais. Les triplettes de Belleville parle de solitude, de déshumanisation, d’exploitation, de tristesse, de dérives mafieuses, de villes froides et parle beaucoup de vie de chien. Si le tableau est sombre et emprunt d’un grande mélancolie, l’auteur préfère y voir de la nostalgie, qui baigne en effet ce film. Et n’allez surtout pas croire que la déprime vous attend à la sortie du film, car on rit beaucoup, souvent sans s’y attendre.  C’est la beauté des triplettes de Belleville : on est sans cesse surpris. On peut attendre trente secondes sur un plan fixe pour comprendre où le réalisateur veut nous emmener, et le rire ou l’émotion n’en est que plus jouissif. De plus, l’intrigue est imprévisible et Chomet n’hésite pas à nous balader où bon lui semble. On passe du tour de France à Belleville, cette immense cité franco-américaine. Entre le charme désuet de la vieille France et le pied de nez à l’américanisation des cités du monde, on change de décors (somptueux) et l’on savoure la qualité des traits et la qualité des plans, visuellement irréprochables.

Sylvain Chomet se permet même le luxe d’un préambule sous forme d’hommage aux célébrités des années 30-40, avec des dessins à la Betty Boop. Tati, dont l’ombre plane sur le film, n’est pas en reste d’ailleurs. Faut-il le préciser, Les triplettes de Belleville est quasi muet et utilise la musique, parfois à l’intérieur même du film, avec enchantement.

Plein d’inventivité, de poésie, de drôlerie, Les triplettes de Belleville est une des plus belles surprises de l’année ! (Alessandro Di Giuseppe, lequotidienducinema.com)

Warner cherche alors un jeune réalisateur malléable, susceptible de donner vie à l'univers délirant de Pee Wee Herman. Ledit Pee Wee (de son vrai nom Paul Reubens) est alors la star de la télévision américaine avec sa Pee Wee's Play House, l'émission pour enfants la plus populaire des années 80. Irrésistible pour les petits, le ton décalé et la galerie de personnages fantasques qui peuplent le programme plaisent aussi beaucoup aux adultes. Pee Wee lui-même, sorte d'enfant gâté coincé dans un corps d'adulte, clown attachant et agaçant, incarne une grande part d'imaginaire, avec ce qu'il faut de tendresse et d'effroi. Les ambiguïtés du monde de Paul Reubens se rapprochent donc avec évidence des prémisses de celui de Burton, les deux étant évidemment faits pour s'entendre et se compléter.

Un troisième larron arrive alors sur le projet, il s'agit de Danny Elfman. Auteur, compositeur et interprète pour le groupe de ska-pop Oingo Boingo, Elfman évolue lui aussi au sein d'une imagerie gothico-punk, faite de squelettes et de vieux films d'horreur, de carnavals de morts-vivants et d'histoires tragi-comiques. […] Pee Wee's Big Adventure sera sa première partition professionnelle, le début d'une collaboration fructueuse avec Burton (tous ses films sauf Ed Wood) et la naissance d'une patte immédiatement reconnaissable.

Mais Elfman est loin d'être le seul à trouver sa naissance artistique sur ce film, c'est bien sûr Tim Burton qui dévoile, en vrac, toutes les idées et tous les emblèmes de son oeuvre à venir. Des clowns terrifiants aux effets spéciaux bricolés (profusion de pâte à modeler) en passant par son amour des marginaux et sa perception gentiment satirique de la société américaine, tout est déjà là dans Pee Wee's Big Adventure. Certes, certains aspects doivent surtout leur paternité à Paul Reubens, principalement au niveau des protagonistes. L'émouvante Simone ou Mickey, le repris de justice, faisaient déjà partie de l'émission télévisée. Mais la symbiose est parfaite, l'entente est idéale, et l'on ne cesse de se dire que le film est bel et bien, déjà, un accomplissement de Burton. 20 ans après, le cinéaste s'est d'ailleurs fendu d'un film quasiment hommage à son premier long-métrage, Charlie et la Chocolaterie, qui partage bien des points communs avec Pee Wee...

Grâce à l'énergie de Reubens, Pee Wee's Big Adventure est essentiellement une comédie burlesque, sous la haute influence des plus grands noms du genre. Impossible de ne pas penser à Charlie Chaplin quand Pee Wee, engoncé dans son costume trop étroit, se retrouve poursuivi par un énorme bûcheron au milieu de statues géantes de dinosaures. D'autres gags s'avèrent ainsi irrésistibles : l'utilisation de lunettes infrarouges dans le désert, une bataille sous-marine dans une piscine d'intérieur […]. Les dialogues ne sont pas en reste, en particulier lorsque Pee Wee laisse aller ses penchants de mauvais garnements (« I meant to do that » après une chute en vélo peu flatteuse ou le « I remember the Alamo » juste hilarant).

Le scénario n'est pas qu'un prétexte à un One Man Show de Pee Wee. En effet le vol de sa bicyclette fétiche permet à Burton de dépeindre quelques scènes d'angoisse et de paranoïa assez déstabilisantes dans une oeuvre tout public et de relier de manière fort pertinente les différents lieux et intervenants. De même, si les parias finissent toujours par se comprendre et s'entre-aider, la description des humiliations de Pee Wee face aux gens « normaux » annonce clairement les thèmes chers au coeur du réalisateur. Sa poésie déjantée est aussi visible, de la maison-jouet du héros à la mise en abyme finale pleine d'humour. L'omniprésence de la musique, très inspirée, de Elfman contribue aussi beaucoup au charme de l'oeuvre, imitant Nino Rota par endroit ou se laissant aller à des élans de fête foraine hystérique. […] (www.ed-wood.net)

Fury nous propose de suivre l’histoire de Joe Wilson (Spencer Tracy), un honnête garagiste qui travaille dur pour avoir les moyens d’épouser sa petite amie Katherine Grant (Sylvia Sydney) dont il vit séparé. Alors que leurs finances leurs permettent finalement de se marier, Joe va se retrouver accusé dans une sombre affaire alors qu’il passe simplement dans une petite ville. Après qu’il ait été mis sous les verrous par malchance, une foule en colère va en faire son bouc emissaire dans une sombre affaire locale, attaquer la prison et y mettre le feu pour assouvir sa soif de justice immédiate. Joe va miraculeusement survivre à l’incendie de la prison et profiter du fait que tout le monde le croit décédé pour fomenter sa vengeance avec l’aide de ses deux frères.

De cette trame terrible Fritz Lang retient surtout, comme à son habitude, les questions morales qui en découlent. La foule déchainée l’intéresse autant que la réaction de Joe et son changement radical d’attitude après sa mise à mort manquée. Ainsi le sujet du film n’est pas le « lycnhage » de Joe à proprement parler, mais bel et bien ce qui pousse les êtres humains (en nombre ou solitaires) à passer de l’autre côté de la barrière de la morale, et ce quel qu’ait été leur attitude ou leur état d’esprit avant ce passage à l’acte. Dans le cas de la foule vindicatrice, la mise en scène du lynchage exprime tout ce qui peut se passer dans la tête des participants qui se montent la tête les uns les autres et du fait de cette impression de puissance sans limites due au nombre de lyncheurs, s’enhardissent de plus jusqu'à aller commettre l’irréparable alors même que leurs intentions de départ n’étaient pas telles.

Certes Lang s’y montre moins subtil que dans d’autres de ses films mais la puissance visuelle et l’impression de vérité qui s’en dégagent font vraiment froid dans le dos tant la progression de la haine et la montée en puissance du délire collectif sont montrées avec lucidité. Grace à sa science du cadrage et du montage, il fait vivre en direct au spectateur une sorte d’excitation collective qui peut certes paraître bien exagérée de nos jours, mais qui avaient lieu assez fréquemment semble t’il à cette époque. Trouver un bouc émissaire quelconque et lui faire payer le prix de toutes les haines et frustrations de la foule semble totalement injuste et inhumain d’un strict point de vue moral, mais dans la pratique il semble que ce soit un exercice hautement défoulatoire et jubilatoire sur le moment dont Lang a su montrer tout le mécanisme avec précision et objectivité, ce qui n’en rend cette longue scène que d’autant plus glaçante.

Mais le film s’intéresse ensuite à Joe qui d’homme honnête et sincère va passer à un comportement de rage (certes compréhensible) que plus rien ne parviendra à calmer. Cet homme a changé du tout au tout et si la façon dont Fritz Lang nous le montre est à notre gout trop rapide, il n’en reste pas moins que sa nouvelle personnalité obsessionelle est aussi effrayante que les réactions de la foule vengeresse. Spencer Tracy exprime avec force toute la colère de Joe qui n’a plus qu’un seul objectif : se venger coute que coute. Mais ce qui intéresse Lang ce n’est clairement pas le résultat mais davantage jusqu’où peut conduire un tel comportement obsessionnel, à quel point la morale et l’éthique pourtant essentielles au maitien d’une démocratie sont facilement balayées d’un revers de main par un homme en colère.

[…] Fury est une œuvre nécessaire, une mise en garde virulente d’un homme ayant réussi à s’échapper inextremis d’un pays en proie aux mêmes maux que la foule vengeresse dont il parle dans son film. La démonstration que Lang fait de la necessité de penser avant d’agir, de toujours remettre en question et en perspective ses décisions est un exemple d’utilisation intelligente de toutes les composantes cinématographiques afin d’offrir un spectacle qui va plus loin que le simple divertissement et s’incrit dans un cadre éducatif.

Un spectacle cinématographique capable de faire réflechir le spectateur sans utiliser de grosses ficelles mélodramatiques […] est une rareté qu’il est à notre avis important de faire découvrir. Seules les grandes différences dans la sensibilité de l’époque de tournage et la notre pourront créer un sentiment de naiveté dans l’esprit des spectateurs les plus jeunes ou les moins habitués à regarder de « vieux films ». Mais il n’y a point à douter que devant la force évocatrice de la mise en scène objective de Fritz Lang, l’intensité maitrisée du jeu de Spencer Tracy et l’intelligence comme la pertinence des problèmes moraux soulevés par le personnage de Joe, les réticences inévitables dues à l’age du film seront balayées. (DVDenfrancais.com)