Adaptant l’ouvrage de Barry Hines avec son concours, Ken Loach s’affirme comme un cinéaste avec lequel il faut compter lorsque Kes sort sur les écrans en 1970. Récompensé par deux BAFTA et nommé au titre de meilleur réalisateur pour ce film, Nous vous offrons ainsi l’occasion de (re)découvrir l’une des œuvres fondatrices du maître anglais et son émouvant personnage principal, Billy le fauconnier.

Entre chronique sociale et film d’apprentissage

Tourné après Poor Cow et avant Family Life, Kes nous raconte le quotidien de Billy Casper, jeune garçon de Barnsley, triste ville minière perdue dans le nord-est de l’Angleterre. Passionné par les faucons, ce dernier en digne rejeton de la working-class est un garnement notoire. Maladroit et insignifiant pour ceux qui l’entourent, il livre les journaux le matin pour quelques shellings et chasse à ses heures perdues les nids d’oiseaux avec ses amis. Enclin aux moindres facéties dans son austère école et comme étranger à ce qui s’y passe, le jeune homme a pourtant un rêve, devenir fauconnier. Or, par la grâce d’une escapade matinale, son rêve va se réaliser…

Proche par ses thèmes et son traitement de films comme Le petit fugitif, Les 400 coups ou This is England, Ken Loach aborde avec Kes l’enfance et ses péripéties avec une extrême acuité. En effet, abordé avec une formidable compassion, Billy évolue au gré du rapport complice qui se construit avec Kes, son faucon. Entre Oliver Twist et Tom Sawyer, ce garnement atypique devient alors pour le cinéaste, le héros d’un quotidien laborieux pour lequel l’avenir – incertain - ne peut être dissocié de son amour pour les animaux. Or, l’univers quil’entoure est hostile et il ne laisse que peu de place à sa passion et à des envies excentriques pour son milieu. […]

Humaniste et émouvant malgré des tendances mélodramatiques, Kes profite donc de la richesse et des finesses de son scénario pour emporter pleinement son spectateur. Mais ce qui fait de ce film l’une des réussites fictionnelles de son auteur est affaire de mise en scène. Doté d’une narration très maîtrisée que rythment par instants une musique édifiante et une succession de séquences tantôt bucoliques, tantôt froidement cruelles et réalistes, Kes met parfaitement en lumière le rôle que prend le faucon de Billy dans sa vie peu trépidante. Moyen de son émancipation et de sa considération, l’oiseau révèle sa personnalité et s’avère la clef de son épanouissement. Ainsi, Kes révèle déjà chez Ken Loach, le metteur en scène qu’il va devenir. Et cela tient notamment au fait que ce métrage dépasse les limites de sa seule histoire en portraiturant l’Angleterre appesantie d’alors. En dépit de sa facture classique, Kes saisit en effet avec un regard presque clinique ce qui fait l’époque et plus encore son esprit, celui d’une société surannée et compassée vivant le crépuscule des sixties et l’avènement de la culture pop.

La manière Loach

Ainsi, surgit au jour ce qui fera la force du cinéma de Loach durant les trente années qui suivront et cela jusqu’à Looking for Eric. Tout d’abord, la prédilection de ce dernier à documenter certains milieux ressort d’emblée de ce second film. Le cercle familial, cellule fondamentale, est scrutée sous l’angle des relations, des conflits et des habitudes de chacun, à la manière de certains de ses films ultérieurs, de Family Life à Le Vent se lève. De même, le milieu scolaire vu comme autoritaire, rigide et oppressant, est examiné sans apprêts mais non sans humour, notamment lors des scènes de football et de vestiaire. Il en va d’ailleurs de même avec le monde professionnel, exploré avec un recul qui croque plus qu’il ne dénonce.

Dès lors, le tableau aussi sociologique que naturaliste qui est brossé sous nos yeux cherche autant à décrire qu’à raconter pour mieux discuter et cerner l’histoire et l’aventure individuelle dans une perspective plus collective. Ainsi, reconnaît-on la patte du documentariste engagé que deviendra Ken Loach mais aussi sa manière de s’attacher d’abord à l’individu et à ses interactions sociales, dans le cercle des institutions qu’il fréquente. En effet, conteur invétéré, le cinéaste choisit le primat de l’individu comme mesure du cadre et emploie le destin qu’il raconte pour mieux révéler ce qui l’entoure. Par exemple, via un montage alterné marquant tout à la fois l’opposition et les points communs entre la mère de Billy et son frère lors d’une même soirée, le cinéaste interroge le présent de ses personnages, leurs liens et sonde en usant de dialogues impromptus, l’avenir qu’on leur propose entre engagement et évolution sentimentale et personnelle. Or, en faisant cela dès son second film, ce dernier pose déjà les fondements de ce qui fera le sel de ses films à venir, à savoir le passage en contrebande d’un discours politique et social vif et sans cynisme.

Par conséquent, Kes, matrice du style loachien des décennies futures, s’impose comme un excellent film et plus encore comme un incontournable dans la filmographie de l’auteur de Land and freedom. Par ce qu’il pose comme thèmes, par l’abord qu’il leur réserve mais surtout par l’humanité avec laquelle il aborde le sort des plus humbles. (www.excessif.com)

Loin de cette civilisation britannique du milieu du siècle (à laquelle le générique fait écho grâce à un montage de photographies) dans laquelle ils ont grandi, un groupe de jeunes garçons se retrouve seul sur une île déserte du milieu du Pacifique. Improbables rescapés d’un crash aérien qui n’a épargné qu’eux, ils se retrouvent livrés à eux-mêmes dans un environnement loin d’être totalement hostile (une île tropicale plutôt verdoyante) où pas un seul adulte n’est là pour leur poser des interdits. Dans un premier temps, les enfants vont tenter de s’organiser en instaurant des règles, des lois et une hiérarchie en élisant l’un d’entre eux, Ralph (James Aubrey dans son premier film), chef du groupe. Son principal allié, méchamment surnommé Piggy (Hugh Edwards) en raison de son poids, fait rapidement l’objet de railleries, rappelant que l’habituelle cruauté des enfants ne rencontrera ici aucun frein.  Pourtant, ce n’est pas tant la complexité des rapports psychologiques entre les enfants (très développés dans l’ouvrage de Goldwin), et notamment la question de l’appartenance au groupe - et donc l’angoisse d’en être exclu -, qui intéressent Peter Brook, mais bien la déliquescence des règles dans un univers où les instincts les plus primitifs reprennent rapidement le dessus.

Face à Ralph et Piggy qui tenteront toujours de garder leur sang-froid et faire respecter un principe démocratique - et donc civilisé - au sein de la communauté, Jack (Tom Chapin), le plus âgé et physiquement le plus puissant d’entre eux, humilié de ne pas avoir été élu comme chef, va construire sa domination en ramenant à la surface cette primitivité que chacun tente bien maladroitement de tenir à distance. Exploitant la peur des plus petits de devoir faire face à un monstre ou des fantômes, il entraîne progressivement la majeure partie du groupe dans l’obscurantisme le plus ancestral où, pour calmer les assauts d’un monstre invisible, on multiplie les sacrifices et les offrandes. […]

Entouré de jeunes comédiens non-professionnels et d’une équipe technique peu expérimentée, handicapé par un budget particulièrement restreint, Peter Brook a réussi le pari de retranscrire l’atmosphère terrifiante du best-seller de William Goldwin. Là où il aurait été aisé de tomber dans une démonstration assez putassière, le réalisateur fait preuve d’une sobriété exemplaire et nous interroge avec acuité sur les fondements mêmes de nos civilisations. Ces petits Anglais, qui n’hésitent pas à rappeler que leur pays reste une nation supérieure aux autres, remettent soudainement en cause ce que toute leur civilisation s’est attachée à construire pour ne redevenir que des hommes préhistoriques pour qui le meurtre n’est même plus une affaire de morale. (Clément Graminiès, www.critikat.com)

Premier film tiré d’un roman de Stephen King, Carrie fut également le premier best-seller de celui qui allait devenir l’un des maîtres de l’horreur contemporaine. Au vu du nombre des adaptations qui ont vu le jour depuis, celle-ci compte parmi les rares réussites, avec, par exemple, Simetierre ou Misery.

[…] Carrie White (Sissy Spacek) est une adolescente étudiant à la Bates High School" Eduquée de façon spartiate, anachronique et culpabilisante par une mère fanatiquement dévote, elle est extrêmement timide, maladroite et naïve… et fait office de souffre-douleur de sa classe. Découvrant avec panique ses premières règles dans les douches du gymnase, les cruelles railleries de ses camarades provoquent la première manifestation de son pouvoir de télékinésie. Son professeur de sport, Miss Collins (Betty Buckley), punit alors les élèves et tente plus ou moins de prendre carrie sous son aile... Mais c’est sans compter sur la démence de Mme White (Piper Laurie) et la méchanté de Chris Hargensen (Nancy Allen)…

Avec son art de la mise en scène ambiguë, cruelle et ironique, Brian de Palma a trouvé dans cette chronique de l’âge ingrat un terrain de jeu idéal, et y a apporté ses propres obsessions. La séquence d’ouverture est une nouvelle variation de la scène de douche hitchcockienne [...]. La musique de Pino Donaggio, quant à elle, reprend les stridences de cordes de Bernard Hermann dans Psychose aux moments où Carrie exerce sa télékinésie.

Carrie [...] est un film d’horreur psychologique cruel et esthétiquement superbe, l’une des perles incontournables de l’oeuvre de Brian de Palma. (Stéphane JOLIVET - www.horreur.com)