Christophe

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Le 19/10/2021 L'ASSASSINAT DU DUC DE GUISE

L'ASSASSINAT DU DUC DE GUISE

André Calmettes et Charles Le Bargy, France, 1908

MARDI 19 OCTOBRE à 19h30 : CINÉ-CONCERT

En 1908 L'assassinat du duc de Guise ouvrait une ère nouvelle pour le 7° art : scénario écrit par un académicien, premier rôle porté par un sociétaire de la Comédie-Française et musique composée spécialement pour le film par Saint-Saëns. Ce sont les débuts du film d'art.

 

Le quintette de cuivres du Conservatoire accompagnera cette projection :

Trompettes : Jean-Sébastien Bussman et Jean-Charles Denis. Cor : Till Veron. Trombone : Guy Genester. Tuba : Serge Bonvalot.

Entrée gratuite

Réservation conseillée : Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.

Le 16/10/2021 PARFUMS DE BOSNIE

PARFUMS DE BOSNIE

Aude Labrosse, France, 2020, 62 min

SAMEDI 16 OCTOBRE à 20h

Suivi d’un débat avec la réalisatrice.

Saisissants portraits de Bosnie-Herzégovine, 25 ans après la guerre. Au fil de ses pérégrinations dans l’ancienne république yougoslave, Aude donne la parole aux citoyens de Bosnie-Herzégovine, Serbes, Croates et Bosniaques : leurs espoirs, leurs craintes, leurs désillusions, le poids du passé mais surtout l’avenir…

Le 13/10/2021 SCREAM FOR ME SARAJEVO

SCREAM FOR ME SARAJEVO

Tarik Hodžić, Bosnie-Herzégovine, 2017, 96 min

MERCREDI 13 OCTOBRE à 20h

Suivi d’un débat avec Elma Hasimbegović, historienne, et Milomir Kovačević, photographe.

1994. Sarajevo agonise sous les tirs des snipers depuis déjà 3 ans. Au milieu du chaos, Bruce Dickinson, chanteur du groupe Iron Maiden, se rend dans la ville assiégée pour y donner un concert exceptionnel.

Plus qu’un simple documentaire musical, Scream for me Sarajevo livre une ode à la résistance et à l’espoir en temps de guerre sous fond de rock’n’roll.

Le 06/10/2021 Point limit zéro

POINT LIMITE ZERO

Vanishing Point, Richard, C. Sarafian, Etats-Unis, 1971, 99 min

MERCREDI 06 OCTOBRE à 20h

Kowalski, ancien flic devenu livreur de voiture fait le pari fou de rallier Denver à San Francisco en moins de quinze heures à bord d’une Dodge Challenger 1970. Une course folle s’engage.

Pour beaucoup ce film est LE road-movie par excellence. Oscillant entre balade picaresque dans les immensités des grandes plaines américaines et tombeau des illusions d’une génération, un film devenu culte à ne manquer sous aucun prétexte !

 

Le 05/10/2021 Olivia

OLIVIA

Jacqueline Audry, France, 1950, 85 min

MARDI 05 OCTOBRE à 20h

A la fin du XIXème siècle, dans le pensionnat que rejoint Olivia, règnent Mademoiselle Julie et Mademoiselle Cara...

Jacqueline Audry signe, outre le premier film d’une réalisatrice en France, une ode au féminisme. Avec la merveilleuse Edwige Feuillère dans le rôle de Mademoiselle Julie.

Le 29/09/2021 Easy Rider

EASY RIDER

Dennis Hoper, USA , 1969, 95 min

MERCREDI 29 SEPTEMBRE à 20h

Deux motards décident de rallier Los Angeles à La Nouvelle Orléans. En chemin il font la rencontre d'un homme qui se révèle, sans qu'ils le réalisent, un modèle de contre-culture.

Au départ film de copains sans ambitions, Easy Rider deviendra le film culte d'une génération et fera d'un second rôle, Jack Nicholson, une star du cinéma pour les décennies à venir.

Eva en Août

EVA EN AOÛT De Jonás Trueba Avec Itsaso Arana, Vito Sanz, Isabelle Stoffel

En quelques lignes …

Eva en août est un film qui sait prendre son temps, comme son personnage principal, incarné par la lumineuse Itsaso Arana (également coscénariste). Eva a pris le temps d’une escale dans sa vie, elle semble ne pas trop savoir elle-même pourquoi, de même qu’elle ne sait pas très bien ce qu’elle est, peut-être une actrice, mais peut-être déjà plus. Elle est disponible, à elle-même, aux autres, à l’été madrilène étouffant, mais qu’on peut très bien supporter pour peu qu’on le prenne comme une chance, car l’été c’est aussi l’occasion de faire ce que l’on veut vraiment … C’est ce qu’explique Eva à Luis, un ami qu’elle retrouve par hasard. Ce temps qui s’écoule lentement sur la ville et sur ses alentours, ces espaces qui se déploient au fil de l’errance d’Eva offrent un premier niveau de lecture, et invitent le spectateur à partager lui aussi ses moments de bonheur, par exemple devant le beau visage de la statue de Poppée, au musée, durant la fièvre des fêtes nocturnes, ou en éprouvant la fraîcheur d’une rivière, lors d’une excursion hors de Madrid. Au bord de l’eau, se retrouvent quelques-uns des personnages rencontrés par Eva : deux garçons, l’un anglais l’autre gallois, qui chantent les chansons des Brigades internationales ; une comédienne de rue, allemande, et une ancienne amie perdue de vue, invitée avec son jeune enfant. Ce décousu de la vie, le metteur en scène ne cherche pas à trop l’organiser, il laisse, comme son héroïne, advenir retrouvailles et nouvelles rencontres sans vouloir les prolonger ou leur donner une fonction narrative définitive. Mises bout à bout, ces scènes donnent cependant tout son sens à l’errance d’Eva.

Comment devenir une « vraie » personne »

La diversité humaine des rencontres offre un deuxième niveau de lecture au film. Un peu comme dans certains films de Rohmer, mais un Rohmer moins policé et plus direct, la conversation fait aussi son cinéma, et ouvre sur des interrogations existentielles : sur ce que fait de nous le voyage, ou à l’inverse sur le fait de rester dans le lieu où l’on est né, sur la possibilité des recommencements. Aucune clé définitive ne nous est donnée : changer de pays, de ville nous change, mais l’on peut aussi avoir le courage de (se) changer en restant toute sa vie dans le même lieu, comme le suggère l’un des personnages. D’ailleurs Eva elle-même, madrilène, est comme en exil temporaire dans un appartement qu’on lui a prêté. Une nuit, elle ne parvient même plus à ouvrir la porte d’entrée, ce qui la conduit justement à retrouver une amie perdue de vue. Se perdre pour retrouver l’autre, peut-être pour se retrouver soi-même ? Le film est plein de tels micro-récits paradoxaux.

La vierge d’août

Un troisième niveau de lecture, à la fois mystérieux et ironique, nous est donné par le titre espagnol, La virgen de Agosto (« la vierge d’Août ») : le film est aussi un conte sur la féminité (étonnante scène mystico-païenne de « massage » pratiquée par une femme rencontrée … au cinéma), sur ce qui fait que l’on devient femme - avec des règles que les hommes, s’ils les avaient, ne pourraient supporter sans demander un congé à leur employeurs -  et même que l’on peut même devenir mère sans rapport sexuel, un mystère qu’Eva découvre sans que le spectateur sache s’il doit être pris au sérieux. Le secret d’Eva lui appartient et ne sera pas dévoilé. Les références à la vierge apparaissent également au passage des processions, qui débouchent devant le balcon même d’Eva. Vierge parce qu’Eva (ou Eve, la première femme) doit tout réinventer pour exister ? Bien heureusement, tout l’art de Jonás Trueba est d’éviter tout symbolisme lourd : la légèreté, l’insouciance même de l’été sont préservées, d’autant que le film sait capter sa lumière, et cadre admirablement les changements d’espace, faisant jouer les contrastes entre les lieux clos du petit appartement dans lequel Eva s’alanguit et ceux de son errance dans les rues, les places et les jardins. Avec en prime le ciel nocturne et ses étoiles filantes lors de la nuit de San Lorenzo. Un film anti-confinement parfait !

Francis Grossmann

Disponibilité : on peut louer ou acheter Eva en Août sur plusieurs plateformes (CanalVOD, Orange, FilmoTV, Rakuten TV). Le film est disponible à la vente à la FNAC. Une suggestion d’achat a été déposée pour la bibliothèque municipale de Grenoble (Centre ville).

« Eva en août » est votre premier long-métrage distribué en France. Comment en êtes-vous venus à faire du cinéma ? Jonas Trueba : Je viens d’une famille où le cinéma est très présent. Mon père est réalisateur [Fernando Trueba, Oscar du meilleur film étranger pour Belle Epoque en 1994], ma mère productrice. J’ai eu depuis l’enfance une expérience très concrète du cinéma, très quotidienne, sans avoir à en passer par sa dimension fantasmatique. C’est pour cette raison que je me suis très vite orienté vers un cinéma indépendant, une façon artisanale de fabriquer les films. Itsaso Arana : J’ai passé toute ma jeunesse dans l’univers du théâtre et ai fini par monter ma propre compagnie, La Tristura, en 2004. Du coup, le cinéma est resté pour moi quelque chose d’exotique. Je le vois comme un cadeau qui m’a été fait, une possibilité d’étendre ma palette d’actrice. Vous avez écrit le film ensemble. Comment cela s’est-il passé ? I. A.: Jonas m’avait parlé de cette atmosphère particulière qui règne à Madrid l’été, qu’il y avait sans doute un film à faire à partir de cela. J’avais joué dans son précédent film, La Reconquista [2016], et nous avons eu envie de prolonger ce travail ensemble, ce qui m’a permis de me jeter à l’eau. Bien sûr, j'avais déjà écrit et mis en scène pour le théâtre, mais sans cela, je n’aurais jamais osé écrire un scénario. J. T. : J’ai beaucoup d’intérêt pour cette période, la première quinzaine d’août, où Itsaso et moi avons tendance à rester à Madrid, alors que nos familles et amis désertent la ville pour fuir la chaleur. C’est un moment particulièrement cinégénique où la lumière, le calme, mais aussi les fêtes populaires de chaque quartier s’allient pour créer une sorte de temps suspendu, plein de hasards et d’opportunités, de choses qui ne peuvent arriver que dans ces conditions-là. Le film semble très ouvert. Vous avez souvent tourné dans la rue, au milieu des passants. Quelle est la part du prévu et de l’imprévu ? J. T. : Atteindre ce sentiment d’imprévu, de hasard contrôlé, c’était ce que nous visions et la grande leçon du cinéma moderne, de cinéastes comme Abbas Kiarostami, dont les films donnent l’impression de s’inventer en direct. Comme le préconisait Jean Renoir, l’art consiste à assumer l’artifice, la construction, la manipulation, tout en laissant une brèche ouverte pour que la vie puisse s’y insérer, qu’elle marque la fiction de son empreinte. Notre but était donc de nous insérer dans la réalité des fêtes de quartier et de trouver le bon équilibre pour l’articuler aux besoins de la fiction. I. A. : Mon personnage se plonge dans la foule, parmi les passants. Il s’agissait de se tenir disponible à ce que le réel pouvait nous apporter, de laisser les choses venir. Cela pouvait contrecarrer parfois ce qu’on avait écrit, mais le cinéma, ce n’est jamais rien d’autre que cela : s’adapter à l’imprévu et en tirer le meilleur.

Extrait d’une interview du cinéaste et de son actrice principale, parue dans le Monde du 5 août 2020

La Party

La Party réalisé par Blake Edwards en 1968

Synopsis

Un acteur indien extrêmement maladroit détruit un coûteux décor lors du tournage d’un film. Le producteur le renvoie et demande à son assistant de l’inscrire sur liste noire. Suite à un quiproquo, l’acteur se retrouve finalement sur la liste des invités à une soirée huppée. Commence alors une série de gags provoqués par ce monsieur catastrophe. La soirée ne se déroulera pas comme prévue et sera mouvementée !

 

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En un peu plus

Fans de Mister Beans, ce film est pour vous ! Considéré comme un classique de la comédie, les gags s’enchaînent et sont surtout visuels : chutes, inondation, animaux … Le réalisateur, Blake Edwards, est connu entre autres pour avoir réalisé Diamants sur Canapé et la série des Panthère Rose, avec Peter Sellers qui incarne ici le personnage principal.

Le film se déroule principalement en huis clos dans une jolie maison possédant moulte fontaines, piscines et systèmes robotisés; les costumes, les coiffures et la musique très sixties apportent quant à eux leur charme vintage.

Je dois admettre que j’ai vu pour la première fois ce film sans en attendre quoi que ce soit et l’effet de surprise a bien fonctionné puisque je l’ai adoré. Ce fut ensuite un plaisir de le regarder de nouveau et de le partager à d’autres personnes. Le film comporte beaucoup d’improvisation, on passe un très bon moment devant, et certaines scènes me font toujours rire aux éclats : la maison qui se détraque, la perte de la chaussure dans les canaux aquatiques de la maison, l’inondation dans la salle de bain, le repas sur une chaise trop petite, le perroquet…

Attention, ce film est accusé de racisme envers la culture indienne. Le personnage principal du film, censé être un acteur indien, répond à plusieurs stéréotypes; il ne parle pas très bien anglais, il se tient mal, … . Et l’acteur qui l’incarne, Peter Sellers, est d’origine anglaise et est grimé en “Indien” avec force fond de teint marron. On est encore en 1968 à l’époque.

Où le trouver

Disponible en VOD sur Youtube, Google Play, Canal +

Marie Mathivet

La fleur de l’âge / Rapture

La fleur de l’âge / Rapture – John Guillermin – USA – 1965

Il est des films dont on se demandera toujours pourquoi ils sont demeurés totalement oubliés. C’est le cas pour La fleur de l’âge, de John Guillermin. En effet, il n’est jamais ressorti sur les écrans chez nous depuis mai 1966, ni jamais passé à la télévision. John Guillermin (1925–2015) est un réalisateur d’origine anglaise surtout connu pour ses films à grand spectacle, le plus célèbre étant sans conteste La tour infernale en 1974, une référence du film catastrophe au casting de stars incroyable. C’est un spécialiste du film « grand public » puisqu’on le verra réaliser plusieurs Tarzans, deux King Kong dont un en 1976 avec un fringant Jeff Bridges et une pétillante Jessica Lange. Il touche à tous les genres : guerre avec Le pont de Remagen en 1969, le policier avec Mort sur le Nil en 1978 avec Peter Ustinov dans le rôle d’Hercule Poirot, le western avec El Condor en 1970 ou même le cinéma d’exploitation avec Shaft en Afrique en 1973. Force est de reconnaitre que certains de ces films ne sont pas très bons son dernier, King Kong Lives en 1986 est à peu près aussi ridicule que celui de Peter Jackson en 2005, c’est dire. Malgré cela, il a aussi tourné quelques films plus personnels et très intéressants comme Guns at Batasi en 1964, un des rare films à traiter de la décolonisation en Afrique, qui voit un officier britannique de l’armée coloniale, brillamment interprété par Richard Attenborough, manquer de faire échouer toute la délicate transition politique et militaire vers l’indépendance, incapable de comprendre les changements du monde qui l’entoure et voyant le sien s’écrouler.

Alors pourquoi regarder La fleur de l’âge ? Parce que La fleur de l’âge est, comme il l’a déclaré dans une interview, le film préféré de John Guillermin ce que l’on comprend aisément quand on voit à quel point il diffère du reste de sa filmographie. On peut même aller jusqu’à dire sans trop s’avancer que c’est son meilleur film. Le thème de l’histoire est assez classique : l’éveil à l’amour et le passage de l’adolescence à l’âge adulte d’une adolescente solitaire. Le scénario est tiré d’un roman de l’écrivaine anglaise Phyllis Hastings, Rapture in my Rags publié en France sous le titre L’épouvantail (Del Duca, 1961). Le traitement adopté dans le film arrive à éviter les écueils du genre par une approche très onirique à la limite du fantastique parfois et par une complexité des rapports tissés entre les quatre personnages, en particulier ceux unissant Agnès à son père.

Parce que ce film, bien que rassemblant une équipe des plus hétéroclite est une parfaite réussite tant d’un point de vue formel qu’esthétique. En effet, si c’est un film américain, il est produit par un français, Christian Ferry, réalisé par un anglais, avec une équipe technique franco-américaine et un casting international. L’action du film est transposée d’Angleterre en France dans les magnifiques paysages de la côte bretonne filmés dans un scope noir et blanc somptueux du chef opérateur français Marcel Grignon à qui l’on doit des films comme Paris brûle-t-il ?, Cent mille dollars au soleil (aussi dans un scope noir et blanc somptueux) tout comme la série des Fantômas et des OSS 117 plus hauts en couleurs ! La réalisation de Guillermin est à la hauteur avec un usage du scope excellent alternant les plans larges magnifiant les décors et paysages, usant d’angles de vue souvent recherchés et de mouvements de caméras élaborés conduisant à nombre de plans-séquences des plus réussis et contrastant avec des gros plans souvent fulgurants sur les visages des acteurs, au plus près des émotions. Noter à ce titre le travail sur les séquences se déroulant en ville au montage et à la réalisation (focale, angles, enchaînements, découpe, musique) totalement différents du reste du film accentuant la détresse d’Agnès.

Parce que la musique est de Georges Delerue qui reste l’un des plus grands compositeurs de musique de film français qui là encore fait preuve d’un immense talent tant sa partition magnifie de nombreuses séquences du film. Parce que les acteurs sont bons. Le talent de Melvyn Douglas n’est plus a démontré depuis son oscar obtenu l’année précédente pour son rôle dans Le plus sauvage d'entre tous de Martin Ritt, il en obtiendra un second quelques années plus tard. Il campe ici le personnage d’un père détruit par l’amour sans retour pour une femme et sa trahison des idéaux de justice qui étaient les siens. Dean Stockwell a déjà une longue carrière d’enfant star derrière lui et entame sa seconde carrière dans un registre plus exigent marqué par son interprétation dans Le long voyage vers la nuit de Sidney Lumet en 1962, remarquable adaptation de la pièce d’Eugene O'Neill, qui l’oppose à Katharine Hepburn quant à elle certainement dans son plus grand rôle. Son personnage de séducteur au final bien fragile est très bien joué avec toute la mesure nécessaire. Gunnel Lindblom, qui vient de nous quitter en janvier dernier, fait partie des actrices fétiches d’Ingmar Bergman et on a pu l’admirer dans La source en 1960 et Les communiants en 1963. Elle est parfaitement juste dans le rôle de Karen.

Et enfin parce qu’il y a Patricia Gozzi. Patricia Gozzi à 15 ans quand elle tourne ce film et le moins qu’on puisse dit c’est qu’elle montre ici un talent d’actrice assez exceptionnel d’autant plus qu’elle joue en anglais. Sa présence à l’écran est incroyable tant elle semble totalement imprégnée par son personnage, elle « vole » littéralement chaque plan dans lequel elle apparait et d’ailleurs Guillermin l’a bien compris lui aussi et en profite au maximum. Patricia Gozzi avait été révélée trois ans plus tôt en 1962 dans le bouleversant Les dimanches de Ville d'Avray de Serge Bourguignon. Elle y jouait un rôle de Cybèle, d’ailleurs assez proche de celui d’Agnès, une jeune adolescente un peu trop mature marquée par la vie qui se mettait à entretenir une relation trouble et ambigüe avec un homme plus âgé traumatisé par la guerre et en manque total de repères (un excellent Hardy Krüger). Le film, bien que très bon, avait été boudé en France car on était en pleine Nouvelle Vague et que ce film que hante de bout en bout la rumeur et la suspicion de pédophilie n’était pas vraiment dans l’air du temps. Par contre, une fois n’est pas coutume, il avait été acclamé aux Etats-Unis ce qui avait ouvert les portes d’Hollywood à Bourguignon (qui malheureusement n’y perça pas) et fait connaître Patricia Gozzi qui y était déjà remarquable malgré son jeune âge. C’est ce qui lui a ouvert les portes de La fleur de l’âge où elle est encore plus impressionnante. Après ce film, Gozzi cessera vite le cinéma après son mariage et se consacrera au monde des affaires et à sa famille. A la vue de La fleur de l’âge on est en droit de penser que le cinéma hexagonal a peut-être là perdu une grande actrice.

C’est après avoir vu Les dimanche de Ville d’Avray que j’ai eu envie de voir le second film de Patricia Gozzi, que j’ai réalisé l’oubli dans lequel La fleur de l’âge était tombé chez nous et que j’ai découvert qu’il avait été restauré et édité en Blu-Ray outre-manche. Je me suis empressé de l’acquérir (il était encore disponible à l’époque) et je n’ai pas été déçu ! Un véritable coup au cœur !

POUR VOIR LE FILM Si vous avez l’envie de partager ce coup de cœur, le film est visible (en V.O. sans sous-titres) gratuitement sur Youtube. Qui plus est, la qualité est plutôt bonne… pour une vidéo Youtube s’entend.  Sinon il est introuvable en France. Le film, qui a été (très bien) restauré était disponible en deux éditions limitées Blu-Ray (chez Twilight Time, USA) et combo Blu-Ray/Dvd en Angleterre (chez Eureka Classics) L’édition anglaise est de meilleure qualité mais elles sont toutes les deux épuisées et disponibles uniquement d’occasion et malheureusement dans une gamme de prix prohibitive. En espérant, un jour, revoir ce film comme il le mérite, sur grand écran…

Rolland Douzet

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